5 œuvres célèbres de Beatrice Wood que vous devriez connaître

Beatrice Wood était une artiste américaine née en 1893 dans une famille riche de San Francisco, en Californie. Elle décide de poursuivre l’art contre la volonté de ses parents, étudiant la peinture à Paris à l’Académie Julian et jouant à la Comédie-Française. Wood a passé plusieurs années à jouer à la French Repertory Company à New York, où elle a joué plus de soixante rôles en deux ans. Après avoir rencontré le dadaïste français Marcel Duchamp et l’écrivain français d’avant-garde Henri-Pierre Roché, elle s’engage dans les mouvements d’avant-garde et dada. Ensemble, ils créent des magazines dadaïstes. Elle est passée de l’art de la performance à l’expérimentation de la sculpture et de la céramique et est surtout connue pour sa poterie d’atelier avant-gardiste. Voici 5 œuvres de Beatrice Wood.

En 1962, le département d’État a parrainé le voyage de Béatrice en Inde, où elle s’est rendue en tant qu’ambassadrice culturelle désignée. Elle s’était déjà intéressée à la culture indienne, comme le prouve son déménagement à Ojai pour vivre plus près du philosophe indien J. Krishnamurti. Elle est rentrée chez elle inspirée par la nouvelle texture de surface, la couleur, l’ornementation et l’imagerie érotique qu’elle a vues en Inde. Elle a été grandement influencée par les sculptures en relief décoratives sur céramique et elle les a traduites dans ses propres pots.

Dans la bouteille à double col bleu lustre avec décoration tressée, Wood a créé des sculptures en relief de poisson sur la bouteille, ce qui était un motif commun dans son travail. Les deux becs semblent être des figures humaines réunies en se tenant la main. Une tête de lion est sur le pot et émaillée de lustre bleu et violet. Les glaçures éclatantes vibrantes ont probablement été inspirées par la théorie théosophique des couleurs. La surface semblable à du verre sur ses céramiques est due à des sels métalliques semblant irisés. La cuisson de réduction est le processus qui permet d’atteindre cet objectif, qui implique l’absorption de l’oxygène de l’argile et de la glaçure. Elle maîtrise cette technique et est toujours considérée comme l’une des pionnières de celle-ci.

À 92 ans, Wood produisait une quantité impressionnante d’œuvres telles que le calice d’or. Comme en témoigne l’éclat métallique de la pièce en céramique, elle a utilisé sa technique de cuisson de réduction. Cela a été rendu plus efficace en jetant des produits chimiques, comme des boules à mites, dans son four. Dans les années 1980, elle a commencé à se concentrer sur des formes d’argile plus élaborées et s’en est tenue aux glaçures monochromatiques. En guise de gobelet de cérémonie, Wood ornait le calice de boutons circulaires et de plusieurs poignées bouclées. Son éclat irisé rehausse la courbe et la texture de la surface et rend hommage au caractère sacré de l’objet.

Bien qu’elle ne soit pas religieuse, la spiritualité de Wood définit sa vie parallèlement à sa créativité. Son étude de la théosophie et des enseignements ésotériques a été une partie importante de sa vie. Dans la théorie théosophique des couleurs, on croit que la purification spirituelle est possible par la purification de la couleur. Un rituel similaire est subi à travers son processus unique de four, qui est parallèle à cet acte de purification. Combinée à la sculpture d’une coupe traditionnellement sainte, Wood crée sa propre signification spirituelle à travers cette pièce.

Wood ne s’attendait pas à expérimenter avec la céramique en tant que peintre et artiste de performance. Cependant, elle a acheté un ensemble d’assiettes lustrées antiques en 1933 sans théière, et elle a décidé d’en fabriquer une elle-même. Tout au long de sa carrière artistique prolifique, elle a continué à fabriquer des théières avec son glaçage lustré caractéristique, qui a été développé au début de l’expressionnisme abstrait dans les années 1950. La théière Gold Lustre a été formée avec un grand corps rond, un grand manche disproportionné et un pied sous-dimensionné.

Wood a produit une collection entière de théières au fil des ans, qui ont toutes varié en apparence et en style. Au lieu de considérer les pots comme des objets précieux, elle a inséré dans son processus une espièglerie qui reflétait une perspective dadaïste de la liberté. Il y a des glaçures d’or, de rose, de vert et de bleu. Au-delà d’une forme de théière typique, elle a expérimenté avec des primitives sophistiquées. Ces figures enfantines comprenaient des clowns, des danseurs et des créatures mythiques. Son amour de l’art populaire est évident à travers ces sculptures non conventionnelles. Wood s’est toujours considérée comme une artiste plutôt qu’un artisan.

Wood a souvent tissé des récits dans ses pièces. Tides in a Man’s Life révèle l’histoire du voyage d’un homme qui grimpe au sommet de sa sculpture. La pièce révèle trois étapes: une tentative ratée, l’aide d’une femme et l’accomplissement d’atteindre l’anneau d’or. Dans les années 1940, Wood a commencé à créer des figurines en bâton et, au lieu de les baser sur de vraies personnes, elle a uniquement mis l’accent sur leur sexe pour explorer les questions tournant autour de cette partie de l’identité humaine.

Wood a maintenu une pratique presque quotidienne du dessin au cours de sa carrière d’artiste. Les thèmes qu’elle a explorés dans ces dessins étaient évidents dans ses sculptures figuratives, qui présentaient des relations, des rêves et de la politique, principalement avec un ton comique. Le sens de son travail a souvent dominé la technicité de ses créations, ce qui a conduit son travail à être étiqueté comme naïf ou art populaire à l’époque. Mais plus tard dans sa vie et après son décès, la maîtrise de Wood a été reconnue ainsi que ses capacités de conteur. Cette sculpture n’est qu’un exemple révélant son point de vue sur la dynamique du pouvoir entre les hommes et les femmes.

Wood a commencé à expérimenter avec des sculptures figuratives après son déménagement à Ojai. Elle a puisé son influence dans le dadaïsme, sa vaste collection d’art populaire et son identité. Avec les critiques auxquelles elle a été confrontée pour les imperfections de son travail, elle a répondu avec une attitude apathique. Elle a déclaré qu’elle ne se souciait pas des étiquettes de bien ou de mal, et souligne plutôt qu’elle a délibérément gardé ces personnages non scolarisés.

Des hommes avec leurs femmes montrent quatre couples conventionnels autour d’une table et un plan à trois au centre que l’on pense être Wood elle-même pris en sandwich entre deux hommes. Le titre lui-même donne un aperçu de ses opinions sur les rôles injustes imposés aux femmes. Son placement dans cette sculpture est apparemment une déclaration de la vie indépendante qu’elle a choisi de mener et elle le dépeint de manière humoristique. Beaucoup de ses sculptures comme celle-ci sont considérées comme des œuvres féministes aujourd’hui. Cependant, elle n’a jamais proclamé être féministe, probablement en raison du fait qu’elle s’accrochait encore à certains idéaux du 19e siècle.

Lorsque Wood était encore en vie, la Smithsonian Institution l’a nommée artiste américaine estimée en 1994. Après sa mort, le Beatrice Wood Center for the Arts a été fondé en 2005. Elle a acquis une reconnaissance au cours de sa carrière artistique, mais son héritage s’étend bien au-delà de sa vie.