Choix du conservateur: les artistes noirs queer adoptent l'art figuratif à leurs propres conditions

Curator’s Choice est une série mensuelle de commissaires invités présentant des collections d’œuvres d’art et d’essais de voix montantes et de premier plan dans les arts, ou dans la culture plus largement. Les œuvres présentées sont toutes disponibles sur Artsy.

Comment les artistes noirs, en particulier les artistes noirs queer et trans, peuvent-ils créer des œuvres figuratives qui mettent leur subjectivité au centre? C’est une question urgente qui va au-delà de l’esthétique. Le changement culturel vers l’inclusion des perspectives noires qui s’est produit au cours des dernières années ressemble trop souvent à des platitudes : un engagement illusoire pris par le biais d’un langage motivé par les relations publiques et d’idées vagues plutôt que par un changement matériel durable. Avec ce grappling culturel sont venues des idées creuses de ce que signifie représenter la vie noire.

Comme les artistes noirs continuent trop souvent d’être considérés par le courant dominant comme une forme de monnaie sociale, beaucoup choisissent de se retirer de cette version insidieuse de la représentation. Les artistes noirs, queer et trans subissent également de multiples expériences croisées de ce processus d’aplatissement néfaste, de sorte que, pour beaucoup, le recentrage de l’intériorité est un moyen de représenter une plénitude de la vie noire. Pour ces artistes, être vraiment vu avec spécificité – à la fois par vos proches et par vous-même – est un baume, offrant un sentiment de sécurité et de soin. Cette sélection d’artistes montre comment les pratiques figuratives transformationnelles peuvent être un moyen de rejeter la lisibilité facile requise par la culture au sens large.

Le travail de l’artiste Jonathan Lyndon Chase, né à Philadelphie et basé à Philadelphie, est dirigé à la fois vers l’intérieur et vers l’extérieur de cette façon. Travaillant dans la sculpture, la vidéo, l’installation et sur papier, Chase met en avant et affirme avec grâce la subjectivité noire queer, féminine et de genre expansive. Dans Cold Dark embrace (2020), l’une des nombreuses œuvres de l’artiste en toile de mousseline, deux personnages s’embrassent sous un ciel étoilé noir. Leurs yeux sont fermés alors qu’ils semblent trouver leur foyer dans ce moment de voir et d’être vu, le genre de soins et d’affection que les personnes queer noires s’offrent si souvent les unes aux autres. Cette œuvre engage son public en dépeignant une sorte de reconnaissance mutuelle qui dépend d’une expérience vécue partagée.

Love charged shore bouche à bouche (2021) évoque également toute l’étendue de l’intimité queer. Deux marins s’embrassent sur fond d’une étendue noire, et un champ orné de rouge recouvre les parties inférieures de leur corps. Ici, la sexualité queer noire est centrée mais repousse le visionnage traditionnel. Au lieu de cela, l’image de ces corps les uns par rapport aux autres reste invisible pour les étrangers, un appel à une subjectivité active et queer au-delà des limites de la représentabilité conventionnelle. Comme dans Cold Dark embrace, la vie noire queer est représentée dans un cosmos de noirceur sur la toile, amoureusement libérée des taxonomies et du contexte de représentation stricts dans un espace libérateur et amorphe.

Les tapisseries perlées à la main de l’artiste textile new-yorkaise Qualeasha Wood sont des autoportraits de l’artiste elle-même, souvent présentée comme une idole religieuse. Créant des textiles à partir d’images numériques, les autoportraits recadrés de Wood compliquent la hiérarchie racialisée et genrée du regard. Ces œuvres critiquent également la manière dont le travail et la production culturelle des femmes noires ont été historiquement exploités.

Par exemple, un halo de flèches de curseur dans Click (2023) fait de l’image de Wood un point focal pour le spectateur. Cependant, en utilisant une iconographie tirée de la culture Internet de l’ère millénaire et en déplaçant l’orientation spatiale conventionnelle, l’œuvre évite la violence consommatrice du regard historiquement misogynoir. Poursuivant cette pratique du refus, Wood est connue pour sa pratique de superposer numériquement plusieurs images et mots sous le plan observable de son travail. Les tapisseries finales, telles que vues par le public, restent totalement inconnaissables (et, de même, inconsommables) pour tous, sauf leur créateur.

Travaillant au mépris des attentes de la photographie, l’artiste Paul Mpgai Sepuya, basé à Los Angeles, subvertit également l’acte de regarder dans ses portraits méticuleusement construits en studio. La propre communauté de Sepuya est souvent le sujet de son travail hautement intentionnel – les amis et les amants sont souvent montrés, visuellement fragmentés ou abstraits à travers des accessoires, des cadrages et des manipulations du plan photographique. A Sitting for Matthew (2015) est typique du processus de Sepuya, car il perturbe l’accès du spectateur à la scène grâce à l’utilisation de miroirs, créant un point de vue renégocié.

L’œuvre conceptuelle Figure (_2100799) (2017) adopte une autre approche pour perturber le champ de vision conventionnel. Ici, une étendue bleue triangulaire interrompt l’acte d’observation de la figure, créant quelque chose comme un bouclier. Cette superposition de matériaux abstrait le corps dans une forme plus transcendantale qui échappe aux définitions fixes. Comme dans la pratique de Sepuya dans son ensemble, la relation entre l’artiste, le modèle, le spectateur, l’espace artistique et l’œuvre elle-même reste continuellement médiatisée.

Dans ses sculptures, ses installations et sa pratique basée sur les lentilles, l’artiste Shikeith utilise la lumière, l’espace et les techniques de durée pour créer des images extatiques. Kris (en bleu) (2021) utilise le portrait comme moyen de transmettre la multiplicité, en superposant une photographie à une autre pour étendre l’imagerie fixe dans plusieurs plans d’espace et de temps. C’est une approche visuellement kaléidoscopique qui honore la figure de l’œuvre comme une trace photographique immatérielle, presque fantastique.

Des œuvres comme A Missed Prayer et Brush your Blues (2017) adoptent une approche plus corporelle, dépeignant la physicalité partagée comme une référence à l’intimité, ainsi qu’une forme de changement de forme figuratif. Ces photographies nous demandent : Qui sommes-nous quand nous accueillons la vulnérabilité de la communion ? Quelles possibilités sont ouvertes par des actes de tendresse queer ?

Ces artistes ont redéfini ce que signifie être représenté – voir et être vu à la fois comme œuvre d’art et créateur. Ce faisant, ils perpétuent la longue tradition de l’art queer noir qui ne s’offre pleinement qu’à ceux qui existent dans un plan d’expérience partagé. Tout comme les figures culturelles noires, queer et trans qui l’ont précédée, ces artistes créent de nouvelles possibilités grâce à leur engagement radical avec l’espace, le temps et la forme, résistant à la cooptation par le spectateur dit dominant. Ici, les pratiques figuratives sont l’une des nombreuses façons dont les mondes illimités de la vie queer noire peuvent être cultivés et protégés.

Sarah-Tai Black (ils/elles) est une conservatrice et critique artistique née et (principalement) élevée dans le territoire du Traité 13/Toronto dont le travail vise à centrer les futurités noires, queer, trans et crip et le travail de liberté.